Le journal de papageno

Quel bonheur de quitter la survie pour revenir à la vie en ce printemps où l'épidémie semble prête à reculer pour de bon, grâce aux vaccins notamment ! Il fallait reprendre le quatuor et l'orchestre pour réaliser combien ces activités m'ont manqué. Et il fallait que l'opéra de Paris rouvre ses portes, ce samedi 5 juin, pour comprendre à quel point le concert vivant nous avait manqué, profondément. Et quoi de mieux qu'une création (Le Soulier de Satin, musique de Marc-André Dalbavie d'après un livret de Paul Claudel) pour réveiller cette maison pluri-centenaire dont le seul péché est son culte parfois excessif de la tradition ?

Tout sonne juste dans cette production de Lady MacBeth de Mzensk à l'Opéra de Paris: l'adéquation complète entre la musique, le chant, la mise en scène rend vraiment justice à ce noir chef-d'oeuvre qui faillit emmener le jeune et brillant Dmitri Chostakovitch au goulag.

La compagnie de L'Oiseleur et l'institut culturel roumain vous invitent à re-découvrir "Claudine", une opérette de Rodolphe Berger écrite en 1910 sur un texte de Colette et Willy. Cela se passe les 4 et 5 octobre prochains à l'Institut Culturel Roumain, au 123 rue Saint Dominique à Paris. Cette opérette est tirée du célèbre "Claudine à l'école", un roman de Colette qui fit scandale à sa parution 1900, dont l'héroïne est une adolescente malicieuse, pleine d'humour et de vitalité. L'établissement où elle prépare le brevet des collège devient une sorte de théâtre dont elle est spectatrice autant qu'actrice.

Sous la direction de Romain Dumas, l'orchestre Ut Cinquième et le choeur russe de Paris vous invitent à écouter Cavalleria Rusticana de Pietro Mascagni en version de concert les 11 et 13 juin prochains à Paris Avec dans les rôles solistes: Marie Saadi (Santuzza), Daniel Galvez-Vallejo (Turridu), Marc Souchet (Alfio), Marine Chagnon (Lola) et Gabrielle Savelli (Lucia).

Avec un peu de retard, je publie un compte-rendu de la première de Faust à l'opéra Bastille le 2 mars dernier. Ayant eu le plaisir de participer à une production de cet opéra en 2002 (dans la fosse d'orchestre, à l'alto) c'est une partition que je connais assez bien et que je retrouvais avec grand plaisir (et avec l'ami Nicolas qui a l'époque tenait la position de violon solo à l'orchestre Ut Cinquième).

A l'affiche au théâtre des Variétés jusqu'au 12 juillet prochain, une version de poche fort sympathique et enjouée de la Flûte enchantée. L'orchestre est réduit à quatre musiciens (violon, alto, hautbois, basson) qui jouent sur scène, de mémoire, et dont les mouvments sont intégrés à la mise en scène. Il s'agit donc de théâtre musical (comme l'histoire du soldat de Stravinsky) plutôt que d'opéra. Les coupures sont nombreuses, les dialogues parlés ont été réécrits en français plus que traduits, mais l'essentiel du chef-d'oeuvre de Mozart est préservé.  

Ce soir à vingt heures aura lieu la rediffusion sur Arte Live Web de l'opéra de Thierry Escaich, Claude, sur un livret de Robert Badinter d'après un roman de Victor Hugo (Claude Gueux). Les créations d'opéra sont devenues suffisamment rares pour qu'on salue celle-ci et qu'on lui réserve le meilleur accueil. Thierry Escaich est un magnifique musicien à découvrir absolument si vous ne le connaissez déjà. Certains jugeront sa musique trop moderne et d'autres pas assez, pour ma part je retiens surtout que tout ce que j'ai pu entendre de Thierry Escaich était fort bien écrit, bien construit et sonnait très bien. Quand la musique est de bonne qualité elle s'impose par elle-même, indépendamment des choix esthétiques de son créateur.

Par ailleurs Badinter n'est pas n'importe qui, c'est tout de même l'homme qui a fait voter l'abolition de la peine de mort en France en 1981, à rebours d'une opinion publique qui y était encore majoritairement hostile. Je recommande en particulier aux plus jeunes lecteurs de ce Journal de lire L'Abolition du même Badinter, un livre de deux cent pages tout à fait essentiel pour comprendre les enjeux de l'abolition et le chemin qu'elle a suivi avant de s'imposer en France comme dans tous les pays européens. Un livre à mettre entre toutes les mains dès quatorze ans.

Écouté dans la bonne ville de Liège la semaine dernière, Le Hollandais Volant, quatrième opéra de Richard Wagner, écrit en 1843, et sans doute la première oeuvre où sa personnalité et son style s'affirmèrent nettement, et où les fameux leitmotive, ces thèmes musicaux associés à un personnage ou une idée, furent utilisées systématiquement. Par rapport à Parsifal ou aux Maîtres Chanteurs, cet opéra possède en outre l'avantage de durer à peine plus de deux heures et d'y aller mollo sur le nationalisme allemand, ce qui en fait le candidat idéal pour l'initiation à Wagner.

Le Théâtre Royal de Liège étant en travaux, c'est sous un chapiteau que la représentation se déroule. On entend un peu les mâts du chapiteau grincer quand le vent les secoue, ce qui ma foi est tout à fait dans le thème de l'opéra (les sirènes de police qui traversent de temps à autre étant nettement moins dans le thème marin de cet opéra romantique). Première remarque, les étudiants à Liège ont droit à des places d'opéra à 7€ s'ils prennent un abonnement. Et ce ne sont pas des places de dernière catégorie mais de très bonnes places ! Par comparaison les rarissimes places à 10€ de l'Opéra Bastille font davantage figure d'alibi que d'effort véritable et sincère pour mettre la culture à porté des jeunes et des classes moyennes.

Le principal inconvénient du chapiteau n'est pas tellement dans les bruits extérieurs qui sont en fait assez peu gênants mais dans l'acoustique plutôt sèche qui laisse bien passer les voix et les instruments mais ne leur pardonne pas grand-chose et ne les enveloppe que d'une très mince réverbération. Cela étant dit j'aime écouter de façon très analytique, et le cours d'orchestration dispensé par un Wagner dont on sent bien que le sang lui bouillait dans les veines vaut le déplacement. L'orchestre ne démérite pas: j'aurais aimé de la part de Paolo Arrivabeni des tempi un peu plus enlevés notamment dans le prélude et tous les retours du thème du Hollandais; j'aurais aimé être emporté davantage par ces vagues irrésistibles, mais en dehors de cela les couleurs sont belles et l'orchestre soutient bien les chanteurs sans les couvrir. Côté plateau, c'est un peu inégal. Je ne vais pas jouer au critique musical et distribuer les bons et les mauvais points, disons seulement que je n'étais pas séduit de bout en bout. 

L'ensemble tiendrait tout à fait la route sans les choeurs qui ne sont pas très juste ni en place: en les écoutant je ne peux m'empêcher de penser à la transcription fantaisiste réalisé pour quatuor à cordes par Paul Hindemith du Prélude du Hollandais Volant, transcription dans laquelle le facétieux compositeur expressionniste a introduit décalages et fausses notes sensées reproduire l'effet d'une lecture à vue par un orchestre de station thermale à 7 heures du matin... J'ai l'impression pour faire justice aux choristes que le père Wagner ne les avait pas gâtés avec ces chants de marins plutôt casse-gueule, rapides, très tendus dans l'aigu, en concurrence avec un gros orchestre...

La mise en scène de Petrika Ionesco est assez classique (j'entends pas là qu'elle essaie de raconter la même histoire que le livret, sans chercher à la transposer dans un bar à putes de Berlin-Est dans les années 1960 ou autre genre de relecture post-moderne) et fonctionne très bien. Elle comporte beaucoup d'éléments visuels assez séduisants et évocateurs. En revanche les quelques séquences vidéos (qui représentent une mer houleuse) n'apportent pas grand-chose de plus. De même l'utilité des scènes mimées durant le prélude et le postlude orchestral est contestable: est-ce que la musique ne suffit pas à elle-même pour nous plonger dans l'ambiance durant les 5 minutes de la célèbre ouverture ?

Der Fliegende Holländer (Wagner) - Ouverture par operaliege

C'est tout de même assez gênant de vouloir à tout prix illustrer chaque seconde de musique par un mouvement scénique, comme si on était au cinéma et non au théâtre musical. Je trouve même ces scènes contre-productives car elles apportent une vision des choses qui peut être limitative: ainsi le tableau final est celui du père de Senta pleurant sa fille dans un cimetière: c'est très touchant, mais la musique raconte tout autre chose: Wagner reprend le thème du Hollandais volant pour la première fois en ré majeur: c'est donc la rédemption et une sorte de triomphe de l'amour dans la mort, au-delà de la mort dont il s'agit. Mais comment l'exprimer avec des images ? Parfois le mieux est de laisser la musique parler et l'esprit du spectateur, repu d'images et de musique, vagabonder plus librement. En résumé cette belle mise en scène pèche un peu par excès.

Ce spectacle sera repris en streaming sur internet les 17 et 18 décembre prochain.

La Flûte enchantée de Mozart a toujours été, est encore et restera certainement mon opéra préféré. Du reste les lecteurs de ce blog peuvent s'en douter un peu en lisant son titre. Pourquoi un tel amour ? Je pourrai argumenter longuement, expliquer pourquoi c'est la fusion parfaite entre théâtre et musique, entre musique savante et spectacle populaire, entre drame et comédie. Il n'y a pas un seul aria de La Flûte qui ne soit pas un petit bijou: duos, trios, quatuors et quintettes sont réalisés avec une facilité, une souplesse dans la polyphonie qui forcent l'admiration. Du reste, l'ouverture orchestrale et la plupart des airs de la Flûte sont devenus des tubes, des visages familiers de la mémoire musicale collective. On pardonne aisément à la Flûte enchantée les défauts de son livret un peu décousu et ouvertement moralisateur, de cette histoire d'initiation maçonnique à laquelle je n'ai jamais compris grand-chose et qui pour parler franchement m'a toujours un peu gonflé (ça doit être mon côté Papageno).

Je pourrais argumenter longuement sur mon amour de la Flûte, mais je ne le ferai pas davantage, et je me contenterai de vous inviter à ré-écouter la scène qui donne la clé de tout l'opéra et peut-être de la vie de Mozart lui-même: celle … de la flûte enchantée (Wie stark ist nicht dein Zauberton). Je veux dire la scène la Flûte ou la flûte magique est utilisée par Tamino pour se protéger des bêtes sauvages, qui cessent leur grognements menaçants et se mettent à danser.

Comment ne pas voir dans cette scène un auto-portrait du jeune Mozart, armé de ses seuls talents de musicien pour faire face à un monde brutal et injuste dans lequel il n'a jamais vraiment eu sa place ?

C'était donc un bonheur renouvelé pour moi d'assister à une nouvelle production de la Flûte, à l'opéra de Massy, bonheur qui se doublait de celui de le faire découvrir à mes enfants devenus assez grand et pour qui c'était la première représentation d'opéra.

Cette co-production de l'opéra de Massy et du Festival de Saint-Céré était placée sous le signe de la jeunesse et de la simplicité. Jeunesse des chanteurs de la troupe Opéra éclaté dont aucun n'a atteint les trente ans; de l'orchestre de Massy qui vient de fêter ses vingt ans; également du public où l'on aperçoit, en plus des habituelles têtes grises, d'autres parents qui ont eu comme moi l'idée saugrenue d'emmener avec eux des enfants et même des adolescents. Simplicité de la mise en scène, de l'ambiance bon enfant, de l'accueil dans ce théâtre modeste et chaleureux. Fort heureusement, cette salle n'a pas l'ambiance froide et prétentieuse, façon secte pour gens riches et cultivés, qu'on reproche parfois à l'opéra et qui est particulièrement sensible à l'Opéra de Paris, pour ne pas le nommer. Soit dit en passant, le prix modéré des places a aussi de quoi soulager les pères des familles.

Même si elle était réalisée avec de tout petits moyens (on pouvait s'en rendre compte avec les épreuves du feu et de l'eau ou la représentation du serpent), la mise en scène d'Eric Perez ne manquait pas de charme ni d'efficacité: une estrade qui pose une sorte de scène sur la scène, des éléments modulables qui figurent tantôt des portes, tantôt des murs, des lits ou des barreaux. Évitant le double piège d'en faire trop ou pas assez, elle laisse suffisamment d'espace aux acteurs-chanteurs pour s'exprimer et au public pour rêver. Les costumes de J-M. Angays et S. Laverne m'ont plu par leurs couleurs vives (un peu trop vives au goût de mon aimée) et leur contribution à la narration: ainsi Tamino et Pamina, dont les habits blancs se parent de couleurs alors qu'ils avancent dans leur initiation. Ou encore la robe de la reine de la nuit d'un noir violacé inquiétant, largement ouverte pour laisser apparaître un pantalon sur le devant. Est-ce une robe ou un pantalon ? Toute la duplicité du personnage apparaît dans son costume.

Quant aux chanteurs, le journal de Papageno n'est pas le lieu pour jouer aux critiques musicaux et distribuer les bons et les mauvais points. Je donnerai cependant une mention toute spéciale à la Pamina de Marion Tassou qui m'a fait pleurer dans l'aria Ach, ich fühl's, es ist verschunden. Et j'ai gardé une bonne impression du plateau dans son ensemble, avec des rôles féminins globalement plus séduisants et convaincants que leurs homologues masculins. Les scènes parlées de ce Singspiel (car c'est du théâtre chanté et non un opera seria) le sont en français, dans une traduction légèrement modernisée qui par conséquent parle directement au public. Soulignons que la taille modeste de l'opéra de Massy (800 places) ainsi que celles de l'orchestre (9 violons, 4 altos, 3 violoncelles, soit la moitié de ce qu'on emploie généralement pour les opéras ou les symphonies romantiques) convient particulièrement bien aux chanteurs, autant pour l'équilibre acoustique que pour un bon contact avec le public.

En résumé, cette production m'a plu par l'enthousiasme et la cohésion de cette troupe qui ont fait de cet opéra initiatique une très bonne initiation à l'opéra pour les enfants. J'ai pu entendre à Salzbourg il y a quelques années une autre Flûte avec un orchestre somptueux et des chanteurs de tout premier plan, qui m'a causé un grand plaisir esthétique mais pas laissé la même impression de bonheur simple et partagé.