Le journal de papageno

L'excellent Vincent Royer me signale que le Cercle pour la Libération du Son et de l'Image, ou CLSI (si si, ça existe et ça n'est pas une secte; du moins avec une PAF à 7€ celle-là ne va pas ruiner ses sympathisants) donnera deux concerts en l'église Saint Merri, au centre de Paris, les 4 et 5 avril 2013. Les détails sont ici: Scelsi, Stockhausen et Radulescu pour les "classiques", Méfano, Méridan, Krashenko, Favory, Pape pour les créations. La plupart des pièces sont mixtes c'est à dire qu'elles utilisent aussi bien les instruments acoustiques que l'électronique.

Ne réfléchissez pas, réservez la date et venez, vous ne risquez rien à part quelque bonne surprise; de toute façon il n'y a rien que des matchs de foot ou des interview présidentielles à mourir d'ennui en ce moment à la télé.

Après un superbe cycle Beethoven-Schoenberg-Boulez par les Diotima en novembre dernier, l'association Pro Quartet continue de célébrer dignement son 25e anniversaire avec une nouvelle série Voix et Quatuor, les 10, 14 et 15 avril prochains.

De très belles choses au programme: des créations, des oeuvres rares et des classiques du vingtième siècle (Berg, Zemlinsky, Nono). Le tout servi par de magnifiques interprètes. Plus de détails sur le site ProQuartet.

Vu et entendu hier aux Bouffes du Nord, Répertoire, pièce de théâtre musical de Mauricio Kagel mis en scène pas Jos Houben, Françoise Rivalland et Emily Wilson.

La notice évoque des "flash inspirés" qui sont "autant d'apparitions sonores saisies dans l'immédiateté de leur théâtralité", autant avouer qu'elle ne nous renseigne pas beaucoup. Fort heureusement pour vous, chères lectrices, à la rédaction du Journal de Papageno, nous abhorrons la langue de bois. De quoi s'agit-il en pratique ? De cinq musiciens-acteurs qui utilisent des instruments aussi amusants qu'improbables à base de sphères de polyester, ressorts métalliques, tuyaux de plastique, objets quotidiens tout genre. Avec quelques notes de trombone, violon ou guitare, sans compter bien sûr la partie vocale (sifflements, cris, rires, etc). Tout cela est mis en scène, c'est à dire que le geste instrumental est travaillé autant pour la partie visuelle que pour le son.

Ce Répertoire ressemble à un gros canular mais le plus étonnant reste que ça fonctionne assez bien. Comme les facétieux normaliens le savent depuis Alfred Jarry au moins, un canular est une chose qui se prépare avec le plus grand soin. Rien n'est à prendre plus au sérieux qu'une bonne partie de déconnade. C'est assurément ce que font les cinq interprètes de ce Répertoire qui ont manifestement beaucoup travaillé et manipulent un instrumentarium insolite et divertissant avec aisance ainsi qu'avec une sorte de joie naïve. La joie que vous pouviez éprouver, chers lecteurs, lorsqu'à 5 ans vous tambouriniez sur le guéridon du salon ou torturiez le poupon en plastique de votre soeur. En écrivant cette pièce qui fleure bon les années 68 (écrite en 1970 je crois), Mauricio Kagel nous invitait à revenir aux sources même de la musique c'est à dire à la manipulation d'objets familiers qui peu à peu deviennent des instruments de musique. Et ça fonctionne assez bien, on finit par se prendre au jeu, par écouter avec gourmandise tous ces sons principalement inharmoniques (c'est à dire que ce ne sont pas des notes, on ne peut pas les identifier avec une hauteur de son bien précise). Le côté pro du compositeur apparaît très bien si l'on considère la duré de chaque apparition: Kagel sait très bien distinguer les sons dont on se lasse au bout de 2 secondes et ceux qui sont plus riches, qu'ont peu développer et travailler sur une minute entière. Comme Luc Ferrari avec d'autre moyens (la musique enregistrée), Kagel nous fait tout simplement entrer dans le cerveau d'un compositeur, hypersensible à l'aspect sonore de toute chose, attentif à tous les bruits de la nature ou de la ville. Il nous pousse à écouter différemment tous ces bruits familiers et pourtant étranges. "Quand un bruit vous dérange, écoutez-le" disait John Cage à ses élèves. Du coup la dame qui tousse au premier rang, le vieux du troisième rang qui gromelle, les rires du plublic, tout ça vient s'intégrer à l'ambiance musicale du spectacle plutôt que de constituer une nuisance. Puisque le bruit se fait musique, tout devient musique.

En bref, c'est bien maîtrisé, ça fleure bon les années 1970, ça ne dure qu'une heure, c'est divertissant, c'est infiniment moins cher qu'un concert de Lady Gaga, c'est à l'affiche jusqu'au 2 mars prochain et ça se tente assez bien. Seul bémol, l'horaire (19h), pas très pratique pour ceux qui travaillent ou qui ont des enfants. Pour ceux-là, on trouve une autre interprétation de la même pièce sur le décidément inépuisable ioutioube par le Kölner Ensemble für Neue Musik.

Entendu salle Pleyel vendredi dernier, le concerto pour piano de Witold Lutosławski par l'interprète pour qui ce concerto a été écrit: Krystian Zimerman. Pour résumer mes impressions: que du bonheur, vraiment. Quelle richesse de couleurs et de timbres dans cette partition ! Une partition exigeante certes, qui laisse bien souvent les pupitres de l'orcheste de Paris à découvert, mais quel bonheur pour l'auditeur ! Et j'ai trouvé assez touchant de voir le grand Zimmerman laisser de côté la posture du pianiste romantique pour suivre le chef (Paavo Järvi), compter ses mesures, tourner ses pages et prendre ses départs comme n'importe quel musicien de l'orchestre. Accepter de prendre sa place dans cette belle vision symphonique dont il est la clé de voûte mais pas la diva. Quand l'humilité et l'enthousiame se conjugent avec l'excellence, le résultat musical est à la hauteur, et le public de la salle Pleyel devait penser comme moi car il a rappelé le pianiste pas moins de cinq fois avec force bravos (sans pour autant obtenir de bis, ce que l'on peut aisément pardonner au pianiste polonais eu égard à la difficulté du concerto). On trouve plusieurs versions potables de ce concerto de Lutosławski sur ioutioube, je ne saurais trop recommander à nos lecteurs curieux d'y jeter un coup d'oreille.

En deuxième partie c'est une Symphonie Pastorale de Beethoven sans grande surprise mais sans aucun déplaisir. L'orchestre connaît si bien cette partition (et nous aussi du reste) qu'un chef d'orchestre n'est gère indispensable à vrai dire. Paavo Järvi peut donc se concentrer sur les gestes expressifs, ce qu'il fait plutôt bien même s'il cabotine un peu par moments, et les musiciens le suivent avec un enthousiasme non dissimulé et communicatif. On s'ennuie bien un peu dans le deuxième mouvement, andante molto moto, mais la responsabilité en revient surtout à ce cher Ludwig qui a un peu trop allongé la sauce ou plutôt la sieste au bord du ruisseau. On se réveille lors du scherzo et de sa danse paysanne. On se réjouit comme à chaque fois de voir les contrebassistes s'agiter comme des fous dans l'orage qui est une véritable leçon d'orchestration (pas mal pour quelqu'un qui était déjà au trois quarts sourd lorsqu'il a rédigé cette partition). Et le chant de triomphe qui suit l'orage me donne tout simplement les larmes aux yeux.

Une invitation de Frederico Alagna:

loin des "sucreries" qui ont innondés ces périodes de fin d'année!!!

Organisé par l'association ProQuartet, le cycle Beethoven / Schoenberg / Boulez du quatuor Diotima se poursuit aux Bouffes du Nord. Un programme aussi passionnant qu'exigeant, puisqu'il réunit les derniers quatuors du grand Ludwig van, les quatre quatuors d'Arnold Schoenberg, et l'intégrale du Livre pour Quatuor de Pierre Boulez dans sa révision de 2011/2012. A l'heure où j"écrit ce billet, il reste encore deux dates et quelques places disponibles semble-t-il, le dimanche 2 décembre et le lundi 10 décembre prochain.  On ne saurait trop recommander à nos lecteurs, qui sont des mélomanes aussi curieux qu'exigeants, de saisir l'occasion rare qui se présente à eux. À bon entendeur, salut.

Le baryton L'Oiseleur des Longchamps, accompagné par Mary Olivon au piano, chantera deux de mes oeuvres prochainement:

• À la Santé, cycle sur des textes de Guillaume Apollinaire (photo) (écrit en 2008, présenté ici dans une version révisée)
• la Complainte du Roi Henri de France (création), mélodie sur un texte de Philippe Desportes

Ça se passe à l'auditorium du Conservatoire Régional de Paris, 14 rue de Madrid, le Samedi 27 octobre 2012, à 17h, dans le cadre des concerts Cantus Formus organisés par Nicolas Bacri. Figurent également au programme des pièces en trio piano-alto-clarinette de Nigel Keay, ainsi que d'autres pièces de Boris Lyatoshinsky, Michel Lysight, Nicolas Bacri et Dmitri Chostakovitch. L'entrée est libre, venez nombreux !

Écouter deux jolies brunes dans un récital d'air d'opéras pour voix et harpe, n'est certainement pas la manière la plus désagréable de passer son dimanche après-midi. Tout comme la guitare, la harpe convient merveilleusement bien à l'accompagnement de la voix, car elle fournit des impact toujours audibles quelque soit la nuance, et une couleur harmonique qui soutient la chanteuse sans jamais la concurrencer. On ne peut pas en dire autant des pianos modernes, que les facteurs ont tellement cherché (et finalement réussi) à rendre chantants et timbrés qu'ils obligent les pianistes accompagnateurs à compenser en sous-utilisant leur instrument.

Au programme, une sélection d'airs d'opéra de Mozart et de quelques obscurs compositeurs italiens comme Rossini, Verdi, Bellini, Donizetti, Puccinin ou Siffredi. Et pour la bonne bouche, des pièces pour harpe seule d'Ernesto Halffter et John Thomas, compositeurs peu connus et qui feraient tout aussi bien de le rester.

Véronique Housseau a beaucoup de charme, et en disant cela je ne parle pas tant de son physique que du travail de l'artiste pour exprimer et communiquer des émotions avec son visage aussi bien qu'avec sa voix. Elle possède un ambitus étonnant, de la puissance, de la souplesse, une technique des plus solides. Le sérieux avec lequel ce programme exigeant a été préparé se voit jusque dans le programme détaillé qui fournit un "pitch" de quelques lignes à propos de chaque air. Et comme on a souvent les défauts de ses qualités, c'est aussi ce côté trop sage qui me gêne un peu: le répertoire bien choisi sans rien qui sorte des classiques, l'absence de ce petit grain de folie qui permettrait d'emporter réellement le public, de nous faire oublier que nous sommes dans un austère temple protestant et de nous faire pleurer avec Pamina ou rire avec Amina.

Je regrette un peu également l'absence de mise en scène même minimaliste qui pourrait aider le public à intégrer la dimension théâtrale. Il suffit parfois de vraiment peu de choses, vêtements, accesoires, mouvements de scène, textes bien choisis pour faire le pont entre deux morceaux (en évitant la "chasse d'eau" des applaudissement qui fait disparaître toute poésie, mais aussi l'embarassant silence du public qui se demande s'il doit attendre le prochain morceau ou non pour applaudir). Oui, peu de choses suffisent à tranformer un bête récital de chant en un véritable spectacle de théâtre musical doué d'une magie propre et d'une identité, comme le prouvent les beaux programmes proposés par L'Oiseleur des Longchamps ou Oriane Moretti. Mais je reconnais que cela demande du travail supplémentaire, avec un metteur en scène ou un acteur faisant office de récitant, et que cela demande aussi de bâtir des programmes ayant une cohérence interne, et pas seulement composés d'airs d'opéra magnifiques mais sans lien direct entre eux.

Quoiqu'il en soit je suivrai avec plaisir les activités futures des musiciens de la Cavatine, animés par une passion commune pour le répertoire des XVIIIe et XIXe siècles. Même si cet ensemble qui a vocation à explorer et ressusciter des œuvres lyriques oubliées ou créer des ouvrages inédits semble ignonrer tant les chefs-d'oeuvre du vingtième siècle que ceux d'aujourd'hui. Une attitude tellement banale de nos jours qu'on ne saurait leur reprocher, surtout si l'on remarque que les compositeurs aujourd'hui, qui se passionnent pour le geste instrumental ou l'électronique, sont bien peu nombreux à travailler vraiment pour la voix.

Le baryton L'Oiseleur des Longchamps m'a transmis son programme de rentrée, où l'on retrouve bien sa personnalité et son travail: de la mélodie française (un récital Massenet pour le centenaire), des oeuvres rares (Polignac, Widor) ou contemporaines (Greif, Loiseleur), sans oublier l'opéra ni la musique sacrée. À vos agendas !

5 octobre à 20h30

Entendu hier, un mini-concert du quatuor Tana qui donnait les quatuors à cordes n°1 et 2 du compositeur français Yves Chauris à l'occasion d'un vernissage. Le vernissage étant celui de José Lévy à la Galerie NextLevel, et le point commun une résidence des deux artistes à la Villa Kujoyama de Kyoto. Je n'ai pas grand-chose à dire sur l'exposition elle-même qui n'a pas éveillé de sensations particulières en moi. C'est plutôt la musique qui m'avait attiré en ce lieu au coeur du 3e arrondissement qui m'a rappelé quelques souvenirs avec ses rues étroites et ses maisons penchées, en raison de la proximité de Sainte Croix des Arméniens où j'ai donné des concerts.

Le concert a lieu dans la cour du 8 rue Charlot, et se trouve égayé par le rire joyeux d'une enfant de deux ans qui trouve le col legno marrant comme tout, ainsi que par le gros bourdon de quelques motos qui passent dans la rue toute proche.

Le premier quatuor d'Yves Chauris montre assez bien ce qu'on apprend de nos jours au conservatoire de Paris, c'est à dire à travailler essentiellement avec des sons inharmoniques, dans droite ligne de Lachenmann et de sa "musique instrumentale concrète", mais aussi dans une certaine tradition française qui de Debussy à Dutilleux porte une grande attention au son et au timbre. Moult glissandi, sur-aigu, sul pont et col legno, et quasiment pas une seule hauteur que l'oreille puisse identifier comme une note. Tout cela est assez bien maîtrisé, plaisant à voir autant qu'à entendre mais je regrette un peu le parallélisme systématique aux quatre instruments, qui s'engagent bien souvent dans le même geste en même temps, et dans le même sens.

Le deuxième quatuor dont c'était la toute première audition est plus riche en émotions comme en polyphonie. Il est vraiment écrit à quatre voix et témoigne d'une belle maîtrise de l'instrumentation. Il y a des gestes comme le pizzicato de main gauche avec le bois de l'archet posé sur la corde qui me font penser au son sec et un peu nasillard du Shamisen. C'est plutôt bien vu, et joué comme d'habitude avec autant d'enthousiame que d'énergie par les Tana. Leur envie de jouer ensemble, de se plonger corps et âme dans la musique même la plus audaciuse - surtout la plus audacieuse ! - fait vraiment plaisir à voir et à entendre.

L'altiste avec qui j'ai discuté quelques minutes m'a dit qu'ils avaient eu la partition 10 jours avant le concert, ce qui est beaucoup, presque trop, lui ai-je fait remarquer avec un sourire. J'ai connu tellement de créations où la pièce n'était pas vraiment terminée la veille... Maxime Désert a souri également et concédé que la veille encore ils réalisaient des corrections avec le compositeur. Je livre l'anecdote aux lecteurs de ce Journal car elle illustre assez bien la façon dont la création se passe en pratique. Loin du fantasme du compositeur génial et omniscient qui livre des "chefs-d'oeuvre" gravées dans le marbre et destinés à entrer dans le "répertoire", la composition est un processus itératif, expériemental, une interaction entre le compositeur et les interprètes. Est-ce que c'est beau, est-ce que c'est un chef-d'oeuvre, on s'en fiche un peu. La question est plutôt: est-ce que ça me parle ? Quel type d'émotions ça véhicule ?